Eine absolut wahrhaftige Denkfigur über ein altes theaterwissenschaftliches Thema 

von Alexandra Müller

Ich sitze jetzt gerade in unserem kühlen ?Lokal?, hinter mir quasseln die Kollegen über ihre eigenen Artikel. Eigentlich würde ich lieber zum Kleidermarkt gehen und mir eine Handtasche kaufen, die ich nicht brauche, ich kaufe halt sehr gerne ein, besonders, wenn ich nicht an unangenehme Sachen denken will. Das sind im Augenblick: Eine ausstehende Bewerbung, mein immer noch nicht durchgegangener KSK-Antrag, tausend angefangene Stücke, die ich aus Bock- oder Talentgründen nicht weiterschreibe, dass ich meinen Typen vermisse und dass ich hier in Hamburg schon zu viel Geld im Kleidermarkt gelassen habe. Und ein Essay über Authentizi-dings. 

War das jetzt echt? Ihr werdet es nie erfahren ? ich könnte mir das auch nur ausgedacht haben, um meinen Punkt zu verdeutlichen. Ich beschäftige mich schon seit einer Weile mit Performance Art, da ist der Authenti-Diskurs immer ganz vorne mit dabei. Natürlich habe ich ein bisschen Fischer-Lichte gelesen, weiß von Rimini Protokolls Experten des Alltags und auch was über reale Körper im realen Raum. Aber ich würde in einer Rezension niemals das Wort a.-isch ohne ironische Anführungszeichen verwenden, um nicht aus Versehen in einen Diskurs hineinzugeraten, den zu führen ich eigentlich nicht in der Lage bin.  

Wie leicht wäre es, wenn ich Juristin wäre: ?[...] der vom Gesetzgeber selbst veröffentlichte Wortlaut einer Bestimmung [wird] authentisch genannt. Im Gegensatz dazu stehen andere Verlautbarungen oder Veröffentlichungen wie beispielsweise in Lehrbüchern oder Kommentaren, die entgegen der authentischen Version nicht im Wortlaut rechtsverbindlich sind.? Da hätte ich was zur Hand, um zu entscheiden, ob etwas a.-isch ist oder nicht und auch, ob es gültig ist. Hab ich aber nicht. 

Trotzdem male ich mir seit einer Woche kleine As in mein Programmheft, um die Stücke zu markieren, die mit dem A.-Diskurs zu tun haben. Zum Beispiel "Vor der Probe", der öffentliche Konzeptionsversuch eines King-Kong-Stücks von zwei Schauspielerinnen und einem Regisseur, die als sie selbst mit einem Haufen Material an ihrer eigenen Idee scheitern und eine Stunde lang nicht besonders viel zusammenbringen. Aber auch "VON-WEGEN", ein Musical mit Laien und Profis, in dem die meisten auf der Bühne unfreiwillig sie selbst waren ? mangels Schauspielausbildung, in der man das Alltags-a.-ische unter der Rolle zu verbergen lernt. Oder auch der "Diaabend mit Freunden", dessen Grundlage a.-ische Dias einer unbekannten Familie im Urlaub waren.

Sie alle bilden Eckpunkte des von mir holprig vermiedenen Diskurses. In vielen ist die Authentizi-dings eine Art zusätzliches Theatermittel, wie Licht, Musik, Bühnenbild. Als solches ist die A. greifbar, weil ich über sie genauso sprechen kann wie über die Kostüme. In "Das Erfolgsprojekt" ist sie zum Beispiel als Kommentar zum Stückgeschehen eingesetzt: Künstler sollen das, was sie tun, aus persönlichem Antrieb tun, also stattet man sie mit einem Hauch A. aus, indem die Spielerinnen ihre eigenen Namen tragen und aus ihren Lebens-Nähkästchen plaudern.

Allerdings kommt mir da die A. selbst wieder in die Quere: Ich kann sie nicht ganz vom Diskurs getrennt sehen, denn anders als Bühnenbild und Kostüm löst ihr Bühneneinsatz auch bei mir Fragen aus, die bis ins Existenzphilosophische mäandern: Bin ich a.-isch ? den anderen gegenüber und auch mir selbst gegenüber? Kann "ich" so überhaupt denken? Oder ist mein Ich-Sein auch nur konstruiert, wie vielleicht ein Hirnforscher sagen würde, der mir von den elektrischen Reaktionen in meinem Kopf erzählen würde und davon, dass es keinen freien Willen gibt. Von den Philosophen ganz abgesehen. 

Ich bin nun aber weder Philosophin noch Neurowissenschaftlerin, ich bin vom Land. Wer es genau wissen will und um noch ein paar echte Informationen unterzubringen: Niederbieber/Rhön, ca. 700 Einwohner. Und als eine vom Land, die zwar studiert hat, eigentlich aber Praktikerin ist, denke ich zwar über die A. nach, wenn es aber zum Theatererlebnis oder zum Essayschreiben kommt, versuche ich sie zu erden ? und meine Eindrücke in Worte zu fassen, die weniger existenziell sind: Auf der Bühne ist die Authentizi-dings für mich längst nicht so erschreckend und/oder klischeehaft wie in theaterwissenschaftlichen Diskussionen. Das Spiel mit ihr macht etwas mit mir. Ich bzw. das, was ?ich? dafür halte, kann mich noch identifizieren (auch wenns sowas von 70er ist), kann mich an ?Realem? erfreuen, kann Spaß an selbstreferenziellen Spielchen haben. Gerade darum ist es spannend zu sehen, dass das a.-ische ein Thema ist ? auf diesem Festival und wohl auch in der jungen Theaterszene. Es geht wohl auch einigen anderen so. 

Den besten Beitrag zum Diskurs leistet damit wohl Katherine Heigl am Ende von "The Ugly Truth", einer eher mäßigen romantic comedy von 2009, die ich allerdings aus verschiedenen Gründen drei Mal gesehen habe: Am Ende des Films, als sie und Gerard Butler nach vielen Geschlechterkämpfen endlich zusammengefunden haben, gibt?s wilden Sex. Heigl stöhnt und schreit, was das Bettzeug hält, bis Butler sich von ihr herunterrollt, schweißgebadet. Er fragt sie: "Am I really that good? Oh, yeah? you're just faking." Sie: "You'll never know ?" Dann wirft sie sich wieder auf ihn, in eine zweite Runde.

"Ich" und "ihr", wir wissen nicht, ob und was authentisch ist. Aber so lange es Lust auf eine zweite Runde macht: Kann ich auf den Diskurs verzichten. Und jetzt geh ich ne Handtasche kaufen.

Wände werden überschätzt. Das wissen auch die jungen Theatermacher beim KALTSTART-Festival - und reißen die vierte Wand ein, wo es nur geht. 

von Khesrau Behroz

In den eigenen vier Wänden ist es am gemütlichsten. Das gilt auch im Theater. Die Figuren haben sich um das, was außerhalb der Bühne vor sich geht, nicht zu kümmern. Der Schauspieler ist sich zwar der Tatsache bewusst, dass ein Publikum zuschaut - seine Figur jedoch nicht. Für den Zuschauer ist es so, als würde er durch eine transparente Wand sehen. Wird sie entfernt, diese ?Vierte Wand?, dann ist Schluss mit der Trennung zwischen Bühne und Welt, zwischen Schauspielern und Publikum. 

Bertolt Brechts Verfremdungseffekt ist der wohl am leichtesten zu produzierende Spezialeffekt, den das Theater zu bieten hat. Es muss nichts explodieren, keine Rauchmaschine angeschmissen werden, Theaterblut wird nicht gebraucht. Ein Blickkontakt mit dem Zuschauer reicht aus, die Vierte Wand fällt, die Bühne öffnet sich, und damit auch der Zuschauerraum. 

Ein Tässchen Tee gefällig? 

Vielleicht, weil dieser Effekt so einfach zu erreichen ist, wird er auch so häufig genutzt ? auch auf dem KALTSTART. Es gibt unzählige Produktionen, in denen mehr oder weniger sinnvoll die Vierte Wand nicht nur durchbrochen, sondern geradezu zerstört wird. Die Performance "das beste dass sich an diesem festival anmeldet (wirklich)" lässt die Zuschauer zu Beginn ihre Lieblingszutaten einer Pizza aufzählen - bevor diese dann tatsächlich bestellt und von einem verdutzen Lieferanten direkt auf die Bühne gebracht wird. In "India Simulator", einem Kammerspiel aus Kassel über interkulturelle Differenzen, setzt sich die Hauptdarstellerin in die Mitte der Bühne und hält eine Kurzpräsentation, während ihr Kollege indischen Chai-Tee an alle Zuschauenden verteilt. Es wird gemütlich im Saal, es bringt Bewegung in die Zuschauerränge. Der Effekt funktioniert aber auch weniger offensichtlich: In der Inszenierung von Büchners "Woyzeck" wird mit dem Zuschauer geflirtet, lasziv in eine Orange gebissen, der Blickkontakt gesucht. In "keep on searching for a heart of gold", einem experimentellen Stück, das im Grunde genommen nach einem Stück sucht, erzählen die Protagonistinnen locker-flockig von ihrer Produktion und worauf sie bei der Recherche so alles gestoßen sind - betont lässig, betont kommunikativ. 

Viele andere Inszenierungen haben Essen und Getränke verteilt ? oder ließen zumindest ihre Schauspieler kurz in die Augen der Zuschauer blicken und diese wahrnehmen ? genug, um zu verfremden, um dem Publikum die Illusion zu nehmen und ihnen, laut Brecht, die Chance zu geben, ein Spiel kritisch zu betrachten, auf den Inhalt zu schauen, zum Stück eine Distanz aufzubauen. Die Vierte Wand ist eine sensible Wand, eine, die auch bei kleinsten Windstößen umfällt. 

Wir sitzen alle im selben Boot 

Theater hat sich gewandelt seit Stanislawski, seinem Moskauer Künstlertheater und dem Naturalismus. Nicht nur der Schauspieler ist sich - wie damals - bewusst, dass Publikum anwesend ist - immer öfter wissen es auch die Figuren selbst. Die Menschen werden nicht mehr allein gelassen mit dem Blick auf die Guckkastenbühne und den Schauspielern darauf, die so tun, als befänden sie sich in einem realen Raum. Nein, das Theater nähert sich dem Publikum an, kommentiert das Geschehen, interagiert und kommuniziert mit den Menschen, bezieht sie in die Dialoge ein. 

Das ist vor allem beim Nachwuchstheater der Fall, das sich bei den Möglichkeiten, die das Theater ihnen bietet, üppig bedient. Das KALTSTART gibt jungen Theatermachern diese Möglichkeit. Das sieht man schon an den Spielstätten. Sie unterscheiden sich von Staatstheatern und Schauspielhäusern, sind kleiner und intimer. Da werden Konventionen gebrochen, wird geraucht und getrunken, da gehen Leute ein und aus. Gleichzeitig wird durch die Verfremdung aber nicht nur Distanz geschaffen, sondern auch eine Intimität erzeugt: Schauspieler und Publikum sitzen im selben Boot. 

Vielleicht gibt es überhaupt keine Vierte Wand mehr, die man einreißen könnte. Das Theater ist nicht nur ein Ort der Rezeption, sondern auch einer der (wenn auch vermeintlichen) Kommunikation geworden. Das Anblicken der Zuschauer, die Interaktion, die Berührung, das alles sorgt für eine Nähe, die man weder im Kino noch im Fernsehen spüren könnte. Vielleicht reicht das als Alleinstellungsmerkmal für das Theater völlig aus, das sich in einer Medienumgebung behaupten muss, die mit 3-D und virtueller Realität aufwartet. Dort ?Industrial Light & Magic?, hier Bertolt Brecht. Die Effekte sind nicht überall gut, manchmal sind sie auch nur Gimmicks, manchmal werden sie ungemütlich ? immer aber sind sie eine Einladung des Theaters an sein Publikum, die eigenen vier Wände auch mal zu verlassen.

Eine Woche rum ? Wir feiern Bergfest! Hier gibt's das "KALTSTART so far" in Listen 

gesammelt von Laura Naumann und Johannes Schneider.  

Die Top-5-Kostüme 

1. Die haarigen Monstermasken von ?Reckless Factory? - weil ihre rot leuchtenden Augen direkt die Seele der verderbten Seite der Kulturwelt widerspiegeln. 

2. Die gelben Handschuhe des Arztes bei "Woyzeck" - weil der Hausfrauencharme eine schöne Brechung zur anorganisch-menschenfeindlichen Rolle ist. 

3. Die komplette Ausstattung von "Hell above and Heaven below" - weil sie es schafft, die Stimme von Tom Waits in Kostüme zu packen und dabei auch noch KISS zu zitieren.  

4. Die vier nackten Geschwister im Schlussbild des "Zementgartens" - weil es da mal nicht um Drastik, sondern um Intimität ging. 

5. Der Schlüpfer der ?Ponydressing?-Spielerin ? weil damit Cheerleader-Erotik endlich auf deutschen Bühnen angekommen ist. 

Die Top-5-Zitate 

1. "Ein Kaffee, ein Kognak, ein Stück Scheiße und ein normales Gespräch, bitte!" aus "WER...[binichich]" - weil es exakt unsere Bedürfnislage trifft. 

2. "Die Jungs sind fit!", gesagt von Agamemnon aus der Ilias, während er den Playboy liest - weil als Antwort auf die Frage, wie es mit dem Heer stehe, man müsse doch jetzt Troja angreifen.

3. "Der Diskurs hat mich ganz angegriffen" vom Hauptmann im Woyzeck - weil wer sich mit diesen Worten aus der Affäre zu ziehen weiß, gute Chancen hat, Bundespräsident zu werden. 

4. "Du bist auch Teil der Gesellschaft, Mama.", vom Tonband am Anfang der Performance "das beste dass sich an diesem festival anmeldet (wirklich)" - weil das die Wahrheit ist und Mama dann irgendwas antwortet, das wie ein erstauntes "Ja" klingt. 

5. " ... und wem das an dieser Stelle zu heiß wird, der kann jetzt gerne gehen!" (Vom Schlachten des gemästeten Lamms) - weil wir nie erfahren werden, ob das Text war oder den Memmen hinterhergeschrien wurde, die aus Schwitzgründen den Saal verlassen hatten. 

Die Top-5-Festivaldrinks

1. Lütauer Rhabarberschorle - weil bodenständig, erfrischend, geil und sauer macht lustig. 

2. "Viva con Agua" - weil das, worauf die Welt noch gewartet hat, ein Szene-Mineralwasser ist. 

3. Astra - weil es zwar nicht gut schmeckt (uns zumindest nicht), aber der Kater am nächsten morgen ein vertrauter Freund ist. 

4. Gin-Tonic - weil er so schön phony ist, aber mit Zitrone drin auch wieder down to earth. 

5. Piña Colada ? weil Kokos und Frucht Sommer, Sommer, Sommer bedeutet. Jedenfalls für Mädchen. 

Die Top-5-Publikumssätze vor der Vorstellung 

1. ?Doch, mein Therapeut hat gesagt, dass mir das hier gut tut? - weil uns der Mut, ?Woyzeck? in jeder (aber auch wirklich jeder) seelischen Verfassung zu sehen, sehr beeindruckt. 

2. ?Kann da nicht rauf, hab' Rücken? - weil körperliche Gebrechen zwar eigentlich ebenso wenig lustig sind wie seelische, wir der Dame aber glücklicherweise sagen konnten, dass zum ?Terrrace Hill? ein Aufzug fährt. 

3. "Heute wird's ein bißchen punkig" (Regisseur Ralph Reichel in seiner Ansage vor "Schiller feiern") - weil das den Unplugged-Gedanken des Festivals auf den Punkt bringt.  

4."Nach dem Theater ist vor dem Theater" - weil es den Charakter des Festivals treffend beschreibt und zu jedem Zeitpunkt passt. 

5. "Wo wird denn hier gleich eigentlich gespielt?" - weil dito. 

Die Top-5-Publikumssätze nach der Vorstellung 

1. ?Ich glaube, die Analverletzung hat sie sich im Buch nicht auf einer Kuh zugezogen? -  weil der Abgleich zwischen Romanvorlage und Inszenierung auch im Fall der ?Feuchtgebiete? diskutiert sein muss.  

2. "Mein eigener Fußgeruch hat mich heute ein bisschen rausgebracht" - weil man sich damit auch vor den Umsitzenden bekennt und (indirekt) entschuldigt. 

3. "Jetzt ist es wohl zu Ende" beim Fade Out der Lichter am Ende von "Vom Schlachten..." - weil man so ein echt schönes, ruhiges Theaterende verderben kann.  

4. ?Schade, ich dachte, das wäre mit echten Ponys!? ? weil ?Ponydressing? ja gezeigt hat, dass man auf Dauer auf Steckenpferden nicht reiten kann. 

5. "LUFT!" - weil das Leben in diesem Sommer an sich sehr existentiell ist. 

Die Top-5-Places to be auf dem Festival  

1. Das HausIII&70 - weil es einem Festivalzentrum am nächsten kommt. Und weil man sich im Anbau den Monstern stellen muss. Und hinterm Haus dem lustigen Grillpersonal. 

2. Die Terrasse vom Terrace Hill - weil wir ohne sie nie einen Überblick über Hamburg bekommen hätten. Und weil man da mit einem Festivalgetränk und den Festivalfreunden glücklich und sentimental in die Ferne gucken kann. 

3. Der Fotoautomat am Haus III & 70 - weil Sich-zu-viert-in-den-Passfotoautomat-Quetschen schon immer der größte Spaß war. 

4. Die Hamburger Botschaft - weil die Leute hier selbst beim Fußballgucken konzentriert sind. Und  weil während der Vorstellung keine Getränke ausgeschenkt werden.

5. Das "LOKAL e.V."-Pressehaus in der Max-Brauer-Allee - weil es das beste Zuhause ist, das man in Hamburg haben kann. Trotz kaltem Wasser und einer Hexe im Keller. 

Die Top-5-Festivalgeheimnisse 

1. Dürfen wir leider nicht verraten - weil: siehe 2. 

2. Ist leider geheim - weil: siehe 3. 

3. Wie gesagt, leider geheim - weil: siehe 4. 

4. Geheim! - weil: siehe 5. 

5. Reicht jetzt!

Für Christian Oncius Inszenierung von Koltès? ?Die Nacht kurz vor den Wäldern? gibt es keinen besseren Ort als die Schanze

von Jan Fischer

Man nennt das Putzlicht: Das unerbittliche Neonlicht, wenn die Musik vorbei ist. Dan Florescu steht in diesem Licht, vor schwarzen Kacheln. Der Keller des Haus III&70 sieht aus wie das Negativ eines Schlachthausfotos. Eine rauschige Opernarie läuft. Florescu zieht die Straßenkleidung aus und einen Trenchcoat an. ?Es regnet?, sagt er, und kippt sich Wasser aus einer Evian-Flasche über den Kopf. Dann geht es los: Bernard-Marie Koltès? ?Die Nacht kurz vor den Wäldern? (Regie: Christian Onciu): Céline trifft Salinger trifft Camus trifft Fight Club trifft Großstadttristesse. Anderhalb Stunden monolithischer Monolog eines Irren, ein Außenseitertext, in dem einer versucht, zu sein wie alle anderen und seine Simulation zu weit treibt, und seinen Hass nicht unter Kontrolle bringt: ?Nennt mich den Vollstrecker?, sagt der Protagonist über sich selbst, und will ständig alle verprügeln.

Aber ? und das ist das gruselige ? irre ist er nicht: Florescu ist Schauspieler, der irre spielt, der hin und wieder einen Texthänger hat und sich aushelfen lassen muss, der nicht den Irrsinn des Textes herauskehrt, sondern seine Logik: Denn natürlich erweckt Koltès? Text nur den Anschein von Irrsinn, doch arbeitet eigentlich mit sorgsam gedrechselten Motivketten, mit schimmernden Sätzen, mit ausgeklügelten Überrumpelungstechniken: Da läuft kein Irrer über die Bühne, sondern einer, der weiß, was er tut, wenn er das Publikum anspielt und überrumpelt, wenn er seine Sätze mit voller Absicht leuchten lässt.

Das Wunderbare an genau dieser und keiner anderen Aufführung des Textes ist, dass es keinen besseren Ort für Koltès Hasstext gibt als das Herz der Schanze. Dass Koltès? regnerische Pariser Straßen dem Schulterblatt ähneln, dass der Text plötzlich aktuell wird. Und die Art, wie der Irre sich inszeniert, wie er diejenigen, die er ?Lackaffen? nennt, und diejenigen, die er ?Kameraden? nennt, in ihrem Ausgehviertel beschreibt, umklappt und sich eigenartig leicht auf die Straßen da draußen projizieren lässt. Plötzlich ist alles wie unter Putzlicht: Die Gentrifizierungscrowd, wie sie sich selbst dort schauspielt und ihre Modebrause trinkt, und dass die einzige Antwort auf ihre Selbstherrlichkeit tatsächlich ist: Tu so, als seist du verrückt. Dann lassen sie dich in Ruhe.

Über den Unplugged-Gedanken des KALTSTART-Festivals

von Clara Ehrenwerth

Haus III&70, Anbau: Auf der Bühne wird geschillert und geräubert, was das Zeug hält, die Rüschenhemden blitzen weiß und rein, der Arm wird zum Monolog gehoben ? aber dahinter steht keine naturalistische Waldkulisse und auch keine metaphorische Waldkulisse aus Plastikflaschen oder so, dahinter steht nicht mal einfach gar nichts, was ja auch immer geht, assoziationsoffener Raum et cetera. Nein: Auf der Clubwand, die heute zur Bühnenrückwand umfunktioniert wurde, jagen und zerfleischen sich mehrere Monster in türkis und lila, Zeichenstil irgendwo zwischen Surrealismus und Soziokultur. Normalerweise wird hier unten Musik aufgelegt. Wir versuchen, den Raum auszublenden, wegzudenken, wo er doch Teil des theatralen Superzeichens sein sollte. Wirkt das überhaupt noch, wenn einer vor den malerischen Überbleibseln einer verlorenen Neunzigerjahrejugend mit großer Geste rezitiert: ?Ich habe große Rechte, gegen die Natur ungehalten zu sein?? Wenn vor der Tür die Flipperhühner gickern? Wünscht man sich da nicht aller Zumutungen ledig ins klimatisierte und sitzgepolsterte Stadttheater zurück?

Nirvana ohne Stecker? Legendär!

Wer als Ensemble zu KALTSTART PRO oder zum FRINGE fährt, der fährt nicht einfach auf Gastspiel. Anderswo muss man vielleicht mit ein paar abgespeckten Lichtstimmungen rechnen, einem veränderten Abgang, einer kleineren Garderobe. Wer zum KALTSTART fährt, der findet in den meisten Fällen eine Bühne vor, die im klassischen Sinne gar keine ist, sondern die im Alltag als Disco, als Schule, als Rumpelkeller oder als Jugendzentrum dient. Platz ist eher wenig, Licht- und Tontechnik beschränken sich auf ein Minimum. Da sind Improvisation und künstlerischer Gestaltungswille gefragt: Die Schauspieler müssen sich aller Sicherheiten entledigen, sich stärker auf den eigenen Körper, die Stimme, die Wirkmächtigkeit der Sprache und der Bilder verlassen. Das KALTSTART-Festival hat sich für dieses Prinzip den Ausdruck ?Unplugged? aus der Musikszene ausgeliehen, in der das Steckerrausziehen einige der legendärsten Konzerte zu verantworten hat (Nirvana in New York, Die Ärzte in Hamburg), weil eine akustische Version, die Konzentration auf das Wesentliche, ganz neue Aspekte eines Songs zutage fördern kann.

Hin und wieder fällt eine Flasche Indie-Limo um

Wir sitzen auf weißen Klapppapphockern. Alle vier Minuten fährt die S-Bahn über unsere Köpfe hinweg, dann wird es ein bisschen schwierig, das zu verstehen, was da auf der Bühne gesprochen wird. Wir haben Bierflasche und Indie-Limos in der Hand, wir dürfen die hier mit reinnehmen, warum auch nicht, das ist ein Club, da wird getrunken, und hin und wieder fällt da auch eine Flasche um, und hin und wieder klingelt auch ein Handy, weil man vor lauter Clubgefühl ganz vergisst, die Dinger auszuschalten. Aber wenn es schonmal klingelt, dann kann man ja auch rangehen, könnte ja wichtig sein.

Das KALTSTART ist als Unplugged-Festival im deutschsprachigen Gebiet einzigartig. Das Körber Studio Junge Regie findet in den altehrwürdigen Räumen des Thalia Theaters statt; die unzähligen Produktionen, die beim 100° Berlin gezeigt werden, gehen im Hebbel am Ufer und in den Sophiensälen über die zwar jüngeren, aber ähnlich standardisierten Bühnen. Beide Festivals ziehen in erster Linie ein theateraffines Publikum an ? theaterferne Zuschauer werden nicht gezielt angesprochen. Das KALTSTART dagegen bespielt Lieblingsclubs und Schulen, Strandbars und Bibliotheken und geht (im OPEN AIR Special) auch auf die Straße. Die Leute müssen also nicht erst dahin kommen, wo das Theater sich die Ehre gibt ? es reicht, sich auf dem Barhocker ein paar Zentimeter weiter zu drehen. So entsteht ein Publikum, das sich nicht immer wie ein Theaterpublikum verhält, sondern wie aufmerksame Clubgäste. Die umfallenden Bierflaschen, die telefonierenden Zuschauer, die quietschenden Stühle ? Hintergrundgeräusche, die Teil des Geschehens sind, die die Bühne als Ort der heiligen Verkündung entmachten.

Das lila Monster gehört jetzt dazu

Dazu muss man sich als Schauspieler verhalten, genauso wie zu dem Raum, der seine eigene Präsenz einfordert. Wer versucht, das lila Monster zu überspielen, der scheitert. Denn das lila Monster, das gehört jetzt genauso zum Superzeichen wie der Schauspieler. Das als Herausforderung, als Chance zu begreifen, ist die Aufgabe, die das KALTSTART seinen Teilnehmern stellt: Eine neue, eine einmalige Variante des Stücks zu kreieren. In der Musik kann man ja mit herausgezogenem Stecker auch nicht einfach das zupfen, was man sonst auf die E-Gitarre schrammt. Da sollte man schon mindestens ein kleines Cello daneben setzen.

Und so entsteht in der Verbindung des Theaters mit dem ungewohnten Raum etwas Neues, Drittes. Wir gehen hinunter in den dunkel gefliesten, muffigen, düsteren Clubkeller des Haus III&70 oder steigen hinab in die beklemmende Enge eines nuklearen Strahlenschutzbunkers. Wir sitzen im Waagenbau und verstehen in der Dunkelheit, wie traurig ein Ponyleben sein kann, in dem man mit der angeblich ultimativen Show durch Clubs wie diesen tingelt. Wir schwitzen im 13ten Stock und stellen plötzlich fest, dass der tätowierte Barkeeper ebenso gut ein Schauspieler sein könnte. Und dann klingelt mein Handy. Aber da geh ich jetzt mal gerade nicht ran.

Die Theaterautoren der KALTSTART-AUTORENLOUNGE haben mitbekommen, dass Krise ist. Das ist gut.

Ein sorgfältig abwägender Essay von Johannes Schneider

Das Gute an der Krise ist, dass sie die Zeiten wieder existentiell werden lässt. Nicht von einem Tag auf den anderen und nicht für alle in gleichem Maße. Auch nicht im Sinne einer existentiellen Not. Mehr in Form einer existentiellen Ahnung: Es wird anders werden in den nächsten zehn Jahren - und wahrscheinlich wird es schlechter. Beziehungsweise: Es ist schon schlechter, es kriselt ja bereits, und wir warten wieder mal auf die Bombe, die diesmal nicht aus der UdSSR oder islamistischen Rollkoffern kommt. Diese hier wird aus dem Innern des Landes kommen, wo wir mit Zeitverträgen und ohne Rentenversicherung leben. Wo wir unsere Kinder besser gar nicht erst zeugen sollten.

Das ist jetzt natürlich arg katastrophierend und trifft ja gar nicht auf alle zu (Maschinenbauingenieure haben ein ganz anderes Gegenwartsbild als freischaffende Künstler oder junge Journalisten). Aber wir brauchen Tendenzen. Wir können ja keinen Essay über Gegenwartsdramatik schreiben, und da steht dann: "Hü und Hott. Das Pony läuft im Kreis." Wir müssen ja irgendwie nach vorne. Weiter geht's ...

Für die Literatur brechen goldene Zeiten an. Wer heute relevant schreiben möchte, muss nicht den Nazi-Opa aus dem Schrank holen und sich selbst kunstvoll ein Dritte-Generations-Trauma konstruieren. Es reicht ja ein Blick ins eigene Leben, dahin, wo zur Jahrtausendwende noch die Dekadenz und tausend nölende Judith Hermanns zu Hause waren. Wo der Journalismus denkbar prosaisch die ?Angst vor dem sozialen Abstieg? erkennt, streicht der literarische Autor auf Themensuche vier Worte und verharrt bei einem großen: Angst.

Nonsens! Eine empirische Umfrage unter deutschen Gegenwartsautoren würde wahrscheinlich ergeben, dass maximal drei Prozent (willkürliche Schätzung) "Angst" als ihr vordergründiges Thema angeben. 27 Prozent würden hingegen "Intersubjektive Beziehungen" oder sowas sagen, und 70 Prozent "Irgendwie gedruckt werden" - wenn sie ehrlich wären.

Wenn wir ehrlich wären, hätten wir längst zugegeben, dass wir nur irgendwie auf die elf Stücke hinleiten wollen, die in diesem Jahr zur KALTSTART-AUTORENLOUNGE eingeladen sind. So ist es kaum verwunderlich, wenn wir das, was wir bisher über die Literatur im Allgemeinen gesagt haben, hier wunderbar an der jungen Dramatik festmachen können. (Die abzubilden hat sich die Lounge ja zum ehrenwerten Ziel gesetzt.) Am meisten fällt uns auf (und es fällt uns sehr, sehr angenehm auf!), was da alles nicht vorkommt: Generationskonflikte, Familiensagas, Hitler. Da verzweifelt niemand wahlweise an seinen 68er-Eltern oder 33er-Großeltern. Und niemand verzweifelt mehr daran, dass es nix mehr zum Verzweifeln gibt. Regieanweisungen wie "Ein Raum, zwei Stühle, er und sie" (frei konstruiert aus leidvollen Lektüre- und Seherfahrungen) sucht man in dieser Auswahl vergeblich.

Bla, Bla, Bla: Es gehört wohl zu den billigsten rhetorischen Tricks, irgendwelche Pappkameraden zu konstruieren, gegen die sich die tatsächlichen Texte strahlend absetzen können. Außerdem ist es schon eine nackte Unverschämtheit, aus der Gruppe der elf (Stücke in der Autorenlounge) irgendeine Tendenz rauslesen zu wollen, liegen uns doch zum momentanen Zeitpunkt aufgrund verschiedener logistischer Probleme nur derer sechs vor. Aber gut ...

Genau, gut. Gut ist das (größtenteils), was man da zu lesen kriegt: Reich an Welt, die - das ist ja unsere These - nicht mehr belanglos ist. Es gibt Stücke wie das von Ulrike Syha, das, obwohl es so provokant "Privatleben" heißt, nichts, aber auch gar nichts Privates an sich hat, im Sinne einer behaupteten Intimität, einer ungesunden Nähe zu den Figuren. Das sind in diesem Fall "ER, SIE. Und ein Land, das schrumpft" - und das Land, das schrumpft, bringt's total, viel mehr als ein Raum und zwei Stühle (s.o.). Ohne genau zu wissen, was mit dieser Volte im Dramatis Personae gemeint ist (so naiv, aus dem schrumpfenden Land nur den Verweis auf eine demographische Tendenz zu lesen, sind selbst wir nicht), spüren wir doch in jeder Zeile, wie das ungesunde Klima dieses Landes SIE und IHN bedrückt und formt, deren Wege sich bei einer Zugfahrt kreuzen und die sich fortan vor dem Hintergrund maximaler Unterschiedlichkeit (bei gleicher Verzweiflung) grandios aneinander abarbeiten.

Stopp! Das wird jetzt unerträglich. Kommt die "Welt" (und mit ihr die Angst) in diesem Text nicht - wenn überhaupt - etwas plump daher? "Der Weltwirtschaft geht es nach wie vor schlecht, während wir so beschäftigt sind", denkt ER beim Sex mit IHR in einem Bahnhofshotel. Das kann es doch nicht sein, die Angst. Das ist doch die übliche bräsige Lakonie ...

Wir wissen es doch auch nicht! Wir können doch auch nicht für jeden einzelnen Text, jeden Protagonisten, jede Zeile die Hand ins Feuer legen. Am wenigsten für uns, die wir völlig befangen sind in unserem Ansatz, die Stücktexte just in dem, was wir als den zeitlichen Kontext ausgemacht haben, ernst zu nehmen. Wenn die Österreicherin Gerhild Steinbuch ihr "Herr mit Sonnenbrille" da spielen lässt, wo in einer "Flussfurche" unterhalb der Skigebiete vor der Bundeshauptstadt "früher die Stahlindustrie daheim" war und jetzt "immer weniger Menschen Arbeit finden", ist das für uns weniger morbides Setting einer düsteren, auf zwei verschränkten Zeitebenen erzählten Beziehungsgeschichte. Vielmehr wird die düstere Beziehungsgeschichte zur Illustration des morbiden Settings.

Wir merken an dieser Stelle, wie uns der Essay - schon bei der Erwähnung  des zweiten Stücks - endgültig entgleitet. Wir benutzen die Stücke ja nur für einen hanebüchenen Indizienprozess. Dabei können die so viel mehr ...

Jaja, die können ja gerne viel mehr können. Aber sie können eben auch das: eine bedrohliche Welt am Abgrund zur Kenntlichkeit entstellen. Überhaupt: einen Abgrund ahnen lassen, der sich in alltäglichen Zugriffsroutinen nur zu gut ausblenden lässt. David Richter und Dirk Laucke lassen "Start- und Landebahn", ihre "Erzählung fürs Theater", in einer so apostrophierten "Eiszeit" (gemeint: das Jetzt) spielen und verfrachten uns zielbewusst dahin, wo wir sonst nicht jeden Tag hinschauen: in ein "fast ausgestorbenes Dorf am Flughafen, sorgsam umschlossen von den Start- und Landebahnen, einer ICE-Strecke und einem Autobahnkreuz". Dort, wo die Zivilisation den Bodensatz der Gesellschaft jetzt schon so zerstört, wie sie es bald mit uns allen machen wird, erhalten wir mehr als nur eine Ahnung vom voraussichtlichen Ende der Welt. "vergiss den ganzen technischen schrott, den flughafen, die autobahn, die ärzte und das pflegeheim. genau dieser bekackte fortschritt hat dein ganzes dorf platt gemacht und dich in einen degenerierten menschen verwandelt", sagt der Protagonist Bill zum Protagonisten Darius ...

... was mehr über die Nervensäge Bill aussagt als über sonst irgendwas. Es bringt nichts. Wir müssen an dieser Mammutaufgabe scheitern. Alles ist so - und alles ist anders. Alles ist gesellschaftlich und zugleich privat - vielleicht ist das ja die Tendenz, sonderlich neu wäre das nicht. Wie wenig weit wir so kommen, sieht man an zwei Stücken in der Auswahl, die mit alledem, mit der Krise, der verunsicherten Gesellschaft, der düsteren Zukunft, der Angst vor der Bombe nichts oder nur am Rande zu tun haben: Nora Mansmanns "herr tod lädt nicht ein aber wir kommen trotzdem" lässt uns ratlos mit Bonny-und-Clyde-Fragmenten, zwei Kindern und dem Tod zurück, und aus Jens Nielsens selbstzerstörerischer Flanérie "1 Tag lang alles falsch machen" können wir mit unserem Zugriff auch nichts "rausholen" - spätestens hier scheitert der Versuch, den ästhetischen Texten einen diskursiven Gebrauchswert abzutrotzen.

Diskursiver Gebrauchswert in your face! An dieser Stelle müssen wir das Über-Ich hart ausbremsen, denn eins ist mal klar: So viele Artikel, Essays, Feuilletons, vielleicht sogar Romane können wir über die Krise gar nicht lesen, um uns annähernd so körperlich mies, durchgerockt und existentiell bedroht zu fühlen wie nach einem Lektüretag (plus Nacht) mit den Autorenlounge-Stücken. Huhn oder Ei, gesellschaftliche Krise oder düstere Dramatik, das ist doch jetzt völlig egal. Fakt ist: Es schwingt wieder was. Es gibt wieder eine Form von Furcht vor der Gegenwart jenseits von Wehleidigkeit. Der wir glauben. Und vielleicht - und jetzt beginnen  wir zu träumen - kann eine derart politische (oder politisch gelesene) Dramatik ja einen Effekt zeitigen, wie ihn KFZ-Kollegin Laura Naumann (ebenfalls bei der Autorenlounge dabei) in ihrem "DEMUT VOR DEINEN TATEN BABY" andeutet: Drei Frauen erleben da auf einer Flughafentoilette einen (vermeintlichen) Bombenanschlag und erfahren dabei, wie Angst zusammenschweißen kann. Sie beschließen, einen "Anschlagsimulator" zu bauen, um auch anderen dieses Hochgefühl zu geben, beziehungsweise: "wir brauchen nicht mal was bauen wir machen das alles selbst wir suchen die Orte aus wir spielen die Terroristen wir machen die Leute erleben". Drama als nicht-letale Therapiebombe für die sich entsolidarisierende Gesellschaft - das wäre doch was. Erst einmal reicht es aber zu sagen: Es ist Krise. Die jungen Dramatiker haben das mitgekriegt. Das ist gut.

von Jo Schneider

Eigentlich wollten wir an dieser Stelle ja immer "die Anderen"  verhohnepiepeln; die, die uns - der bodenständigen KFZ-Redaktion aus der Provinz - zu manieriert, zu campy, zu gewollt, kurz: zu theatermäßig erscheinen; jene, die gerade hier - in der Schanze - den schmalen Grad verfehlen zwischen progressiver Off-Kultur und "Kunstkacke für so Gentrifizierungsschickiyuppielohadinknrollpeople", wie es der Chef ausdrückt.

Nun wissen wir: Wir sind die Schlimmsten von allen, die herzlosesten und ironischsten PoMo-Wichser des ganzen Festivals. "Schaut euch das mal an", grölt "Mr. Gonzo" Jan II. In seinen Händen: ein Din-A-5-Flyer. "Solidarität mit dem geräumten Hausprojekt Eichenstraße 9 in Wien", buchstabiert Jan III die gefettete Überschrift, nur um direkt anzufügen: "Times New Roman geht ja mal gar nicht."

"Wien ist mir entschieden zu weit weg für Solidarität", herzlost Redaktionszynikerin Clara E. fadenscheinig hinterher und beginnt zu lesen: "Seit dem Abend des 2. Juli ist das Hausprojekt in dem bis dahin leerstehenden Gebäude in der Eichenstraße 9 eröffnet. Schon am 6.7.2010 forderte die Eigentümerin ÖBB (Österreichische Bundesbahn) den freiwilligen Auszug bis Freitag früh." An dieser Stelle sind ihr die ersten Lacher sicher: "Wer ist denn so blöde und besetzt ein Haus von einer öffentlichen Institution?", kichert Obercheckerin Alex M., als hätte sie selbst im Leben jemals mehr besetzt als eine Toilettenkabine.

In diesem Stil geht es weiter: Ein handschriftlich eingefügtes Binnen-I bei "HausbesetzerInnen" sorgt für große Heiterkeit, der Satz "Jegliche Versuche selbstverwaltet zu leben werden im Keim erstickt" erntet eine Vielzahl an "Ooooh"s und "Eine Runde Mitleid"s. Die gefettete Signatur wird zielsicher als Angebot der autonomen Linken zum Liedermachen aufgefasst. Das KFZ-Ukulelenorchester holt seine Instrumente hervor, alle anderen ihre glockenhellen und von keinem antifaschistischen Kampf rau gewordenen Stimmen. Eine schmalzige Joan-Baez-Gedächtnis-Kadenz (G-Emoll-C-D) ist schnell gefunden, alle singen:

"Doch wir sind viele und wir werden immer mehr,
je mehr wir gedrückt werden, um so entschlossener
werden wir wieder vor Euch stehen."

Der Kater folgt am nächsten Morgen. "Du, wir sollten uns echt ernsthafter mit den internationalen Befreiungsbewegungen auseinandersetzen", sagt die Zonen-Linke Laura N., während sie aktionistisch die Klotüren der Redaktionskommune aus den Angeln hebt. Bei der anschließenden Redaktionssitzung wird sodann einstimmig der basisdemokratische Entschluss gefasst, die Rote Flora zu besetzen. Venceremops!

Der Riesenaffe, das Ur-Monster, der Meta-Mythos! Wir wissen, wovon wir reden: Wir sind am Set gewesen, live beim Making-Of! Wir haben in ?Vor der Probe - King Kong essen Angst auf? durchs Schlüsselloch geschaut, um das erste Blubbern der kreativen Ursuppe zu verfolgen, aus der das Kunstwerk hervorgehen wird.

von Jan Berning und Stephanie Drees

Ja, der Druck ist hoch und vielleicht ist deshalb das Projekt, seit es Jonas Fischer eingegeben wurde, noch nicht recht fortgeschritten, wie der Regisseur zu Beginn erklärt. Doch vielleicht kann der kreative Flow erst unter dem Zeitdruck und der Spannung einer öffentlichen Probe losplätschern. Eine King-Kong-Klaue in Lebensgröße zum Umhängen hat er dabei. Und zwei Schauspielerinnen: Christina Geiße und Monique Schwitter, die über Haustiere sprechen, über Angst auf der Bühne oder einen seltsamem Text, in dem der Protagonistin ein Phallus unter den Achseln herauswächst. Und als dann nach der Probe nicht viel mehr herausgekommen ist als eine Zusammenfassung der Verfilmung von 1976 und dass man King Kong und Dwan ja mal zum Paartherapeuten schicken könnte, sind wir natürlich enttäuscht. Aber auch von uns. Weil uns erst draußen vor der Tür aufgeht, dass auf der Bühne ein vierter Stuhl gestanden hat und wir die Chance vergeben haben, uns dazu zu setzen, die Vision mit Euphorie zu stützen, King Kong zu retten.

Das wollen wir hiermit gerne nachholen ? Exklusive KFZ-Tipps für eine King Kong-Inszenierung:

Transgender-Triebabfuhr

Die Faust des Riesenaffen steht schon seit den Dreißigern in seiner mythologischen Potenz kerzengerade in der Luft. Doch warum den pelzigen Kolloss nicht in Frauenkleider stecken und in eine Transgender-WG ziehen lassen, domestiziert wie eine Doris-Dörrie-Figur nach dem gewaltfreien Sushi-Happening? Im Jahre 2010 heißt King zu sein, aufgestaute Triebe in den kreativen Umgang mit Polyamourösität zu stecken. In jeder Aufführung die eine wichtige Frage: ?Ist das eine Banane unter deinem Morgenmantel oder freust du dich nur, mich zu sehen??

Theatrales Live-Call-in

Wer den Tröster Domian im Fernsehen sieht, der bemerkt sofort: Jürgen und King Kong haben nicht nur die einfühlende Mimik gemein. Sie sind Dealer der Depression, im psychologischen wie wirtschaftlichen Sinne. Bei dem schmusigen Riesen als theatralem Live-Seelenflicker mit Telefonhörer in der Pranke würden gleich zwei Fäuste für ein Halleluja zuschlagen: Mitmachtheater trifft Gutgorillatum.

Gorilla-Saga

Einst wurde unser Freund als Projektionsfigur für Ängste vieler Art gesehen. Heute reicht ein Blick vor die Tür, um zu erkennen: Die Hölle, das sind die anderen. Grund genug, den Affen auf ein Dreirad zu setzen und in ein Peter-Pan-Kostüm zu stecken. Eine René-Pollesch-Oper mit dem King (dem schwarzen...) als Hommage an den Großmeister. Nicht umsonst lautet ein Zitat von dessen Seite richtigerweise: ?Draußen tobt der KONGsens?.

Über die Schwierigkeiten des Schwitzens im Theater

von Laura Naumann

Juli 2002. Sommerferien mit MTV. Der Mann mit dem Pflaster im Gesicht und Frauen mit kurzen Tops. Sie bouncen und schwitzen. Schweißfilme auf den Körpern. Und immer: it's getting hot in here so take off all your clothes. Und sie genießen. Sie ziehen was aus. Schwitzen weiter. Bouncen. Ziehen das aus. Schwitzen. Und nie war das so hot. Also hot-hot. 

Juli 2010. Pressehaus Kaltstart Festival. Balkon vom LOKAL. 36 Grad. Wir so vor den Laptops. Theaterkritik zum Beispiel. Katy Perry und Snoop Dogg singen von Californian Gurls und ich denk so, ja, wieder Zeit für Sommerhits, Bikinis, Bikinis, Martinis, ja, geil, aber wir schwitzen leider sogar im Sitzen, haben nicht mal Kraft, den Swimmingpool aufzubauen, nix Bikinis. 42 Grad. Schon drei Mal geduscht. Das Kleid klebt am Arsch, die Finger an der Tastatur fest. Es ist so heißt, aber nie war es weniger hot.

Darum freu ich mich schon aufs Theater. Da gibts wenigstens keine Sonne. Da kann ich mal schön drin sein, ohne ein schlechtes Gewissen zu haben, weil ja Sommer ist. Aber andere freuen sich auch aufs Theater scheinbar. Wir gehen rein. An der Kartentheke werden Wedelpappen verteilt. Die Klimaanlage ist in Deutschland außer im Auto noch nicht so richtig angekommen. Eine Studiobühne. 80 Leute auf Stühlen. In der Mitte ein Steg. Zwei Schauspieler. Sie beginnen zu sprechen und der Schweiß bildet sich auf ihrer Stirn. Der Schweiß bildet sich in meinen Kniekehlen. Mein Nachbar klebt. Der Block uns gegenüber wedelt. Ich wedele. Irgendwo am Rand steht ein Ventilator, er grinst. Er singt: sun-kissed skin we'll melt your popsicles oh oooh oh.

Eine Weile geht alles gut. Dann schließen mein Nachbar und ich einen stummen Pakt. Wenn er wedelt, wedele ich nicht, wenn ich wedele, muss er nicht wedeln. Das geht gut. Aber irgendwann wedelt er gar nicht mehr, und ich übernehme die Arbeit für uns beide. Weil ich aber ja so schwitze. 52 Grad. Ich hasse es, wenn sich meine Beine berühren, meine Augen brennen, mein Hals klebt, ich kann nicht mehr zuhören. Dabei bewege ich mich nicht mal. Die beiden Schauspieler auf der Bühne dagegen gehen und springen und klopfen und schmeißen sich hin und müssen dann wieder hoch kommen. Sie tragen lange Hosen und Hemden und Jacketts. Die Kostüme weichen durch. Der Schweiß tropft ihnen das Kinn runter. Es spritzt, wenn sie hart auftreten.

Jetzt zückt einer der Spieler einen Pflanzensprüher, sprüht sich damit ins Gesicht. Und dann uns. Später wird der Ventilator angestellt. Mal in jede Richtung gehalten. Erleichterung für Sekunden in den Gesichtern der ersten Reihen.

Wir verehren die beiden Männer, weil sie uns mitdenken, weil sie spontan so was machen für uns. Dabei sind sie die, die am meisten schwitzen, in diesem Raum. Die gerade bei der Arbeit sind außerdem. Die nicht mal wedeln können. 57 Grad. Ich kann mich auf nichts anderes mehr konzentrieren als aufs Schwitzen. Das eigene und das fremde Schwitzen. Das Fremde vor allem.

Ich erinnere mich ein Aufführungsanalyse-Seminar und lange Diskussionen über Erika Fischer-Lichtes Theorie vom phänomenalen Leib und semiotischen Körper des Schauspielers, also vom gegebenen, "echten", präsenten Körper des Schauspielers und dem Körper der Figur, die der Spieler darstellt und wie diese vor allem in einander übergehen. Zum Beispiel: die hochschwangere Schauspielerin. Wie gehe ich als Zuschauer mit der um? Offensichtlich ist sie schwanger. Aber der Franz Mohr, den sie heute Abend gibt, ist es wohl nicht. Kann ich den Babybauch ausblenden? Oder befruchtet der eventuell irgendwie die Rolle? Gleiches Prinzip, wenn ein Schauspieler bei 60 Grad auf der Bühne gekocht wird. Er besteht nur noch aus Schweiß, er tropft, er atmet schwer, während er diesen Eskimo aus "Eine Reise zum Polar" spielt. Und obwohl wir alle schwitzen, ist das komisch, dass er so schwitzt, weil das plötzlich sein ganz privater Körper ist, der sich da aufdrängt. Das private Schwitzen zieht meinen Fokus. Oder kann man vielleicht auch mal semiotisch schwitzen? Sicher, aber dann wäre das eingebettet. Wie im Videoclip von Nelly. (Redaktions-Kollege Jo sagt gerade: "Schließt ein erigierter Körper aus, semiotischer Körper zu sein) Ich meine: nein!")

Die große Schwierigkeit des Schauspielers, nur einen Körper zu haben. Mit dem alles gemacht werden muss. Der muss dienen, dienen, dienen, der muss sich besetzen lassen, aber trotzdem ist er noch ganz normaler Standard-Körper. Der dann schwitzt oder schwanger wird oder Bikinistreifen hat.

Und die große Schwierigkeit des Berufs, da hoch zu gehen und es klar zu machen, trotz 63 Grad, trotz Skianzug, no matter what. Große Geduld, große Leidensfähigkeit ist hier erforderlich, bitte Augen auf bei der Berufswahl, das muss man erstmal leisten können und wollen, wieder und wieder. Ich gehe recht demütig aus den Vorstellungen raus in diesen Festivaltagen. Und dann direkt in den Keller. 

von Kristina Vogt

Die Bühne ist leer bis auf eine Bank, es gibt keine Kulisse, keine Requisiten -- selbst die Kostüme fehlen. Trotzdem wirkt die Bühne beklemmend überfüllt, zwei Mütter stehen dort: Die eine ist starr, verbittert, denn Birgit Schöberl (Anika Lehmann) verlor in der Nacht zum 13. Juli 2002 ihren 16-jährigen Sohn -- Marinus wurde stundenlang gefoltert und dann mit dem titelgebenden Kick ins Genick hingerichtet. Jutta Schönfeld (Anne Noack) hingegen wirkt fast trotzig, bemüht sich um Haltung, denn die Täter sind ihre Kinder, Marcel (17) und Marco (23). "Man kann zwar'n alten Anzug wegschmeißen, aber Kinder sind da. Egal wat kommt", erklärt sie in ihrem Monolog.

Wieso konnte dieser Mord geschehen? Zehn von der Tat Betroffene erzählen in diesem dokumentarischen Theaterstück in ihrer Mundart, in ihrem Tempo und mit ihrer Körpersprache von ihrer Sicht auf die Tat. Überzeugend spielen die zwei Schauspielerinnen Eltern, Anwälte, Bürgermeister oder Täter: Marcel wippt ungeduldig hin und her. Warum er es getan hat? Er habe nicht groß drüber nachgedacht. Tut es ihm leid? Er zuckt die Achseln. Frau Schöberl will Gerechtigkeit, wie sie sagt. "Man soll mit den Tätern genau das machen, was sie mit meinem Sohn gemacht haben." Der Bürgermeister will mit der Sache nichts zu tun haben. Er könne schließlich nichts dafür, Potzlow bei Berlin sei ein ganz normales Dorf
-- trotz der Arbeitslosenrate von 50%. Hat er damit vielleicht sogar recht, ist Potzlow ein gewöhnliches Dorf?

"Der Kick" basiert auf einer wahren Begebenheit. Andres Veiel besuchte Potzlow nach der Tat und schrieb nieder, was die Beteiligten ihm erzählten; seine Protokolle und Beobachtungen wurden 2008 mit dem Deutschen Jugendbuchpreis in der Sparte Sachbuch ausgezeichnet. Diese Inszenierung trägt Veiel Rechnung. Statt auf Effekte setzen die Schauspielerinnen auf die ernüchternde Brutalität der Fakten, erzeugen in der Phantasie des Zuschauers durch ihre überzeugende Darstellung alptraumartige Bilder, die vielleicht noch eindrücklicher, schrecklicher sind, als eine Darstellung der Tat selbst. Die Beleuchtung ist kalt und künstlich -- etwa wie auf einem U-Bahnhof, oder in einem Verhörzimmer -- die musikalische Untermalung spärlich, zuweilen wird die Stimme von Constanze Becker eingespielt -- extra aufgenommen für diese Inszenierung. Atmosphärisch wird man an Filme wie Der Totmacher erinnert. Zwar ist durch die Bruchstückhaftigkeit der Szenen, die Beliebigkeit von deren Reihenfolge eine innerliche Abgrenzung zu den Handelnden möglich, dennoch ist der Einblick so intim, die Szenen so eindringlich, dass auch der Zuschauer die deutsche Gesellschaft hinterfragen muss, denn wo liegt die Grenze von Opfer und Täter? Angesichts zunehmender Gewalt -- insbesondere auch in Hamburg -- hat das Stück eine unbequeme Aktualität: Wie schnell verschließt man sich gegen das Leid anderer? Wie schnell kann aus Perspektivlosigkeit ein Mord geschehen, weil niemand sich verantwortlich fühlt?

Wie sehen die Nachwuchsschauspielerinnen selbst die Inszenierung, wollen sie mahnen? Lehmann überlegt: "Letztendlich schon. Theater wie ich es sehe, ist eine moralische Instanz. Es geht allerdings nicht darum, die richtigen Antworten zu liefern, sondern die richtigen Fragen zu stellen." Fragen hat der Zuschauer am Ende viele. Da nach der Erfahrung von Noack und Lehmann das Publikum nach der Aufführung stets einen großen Redebedarf hatte, wird im Anschluss an das Stück ein Publikumsgespräch angeboten.

Umgesetzt von Anika Lehmann und Anne Noack unter Mitwirkung von Constanze Becker

Der Tom-Waits-Liederabend "Hell above & heaven below" im Haus III&70

von Jessica Kellner

Die Frage, die ich mir während des Stückes "Hell above & heaven below" öfter gestellt habe, lautete: Wie kann man eigentlich ganz unauffällig so viel Konfetti wie möglich in die Hosentaschen stopfen -- noch dazu, wenn einen 80 Augenpaare dabei beobachten? Andreas Helgi Schmid hat sich dies scheinbar nicht gefragt, sondern sich stattdessen lieber aufs (Situations-)Komischsein konzentriert. Dieser Liederabend nach Tom Waits war nicht einfach nur ein liedergefüllter Abend. Es war ein wohlpointierter Extrakt aus atemberaubender Stimmlichkeit von Jennifer Lorenz und kostümbildnerischer Raffinesse nach alter Pantomimenart. Jetzt: Konfetti... Das Ganze verwoben mit weiß untermalter Mimik und ausladenden Gestiken, die den Zuschauern Anteil hat nehmen lassen an Waits' Leid, Zorn und Sehnsüchten. Wieder: Konfetti... In der Show wird zwar auch mal der Pianist mittels Megafon vergrätzt und gespielt wird so unplugged, dass es für die Ventilation im Saal nicht mehr gereicht hat -- aber wer kann sich denn diesem Ruf der halben Packung Lucky Strike und den Macadamia-Nüssen verwehren?! Schalalali!

Vorbildlich! KFZ-Leser schneiden die Puppen aus unserer Rubrik "Diskurs zur Hand" aus und lassen sie - so wie es sich gehört! - miteinander diskutieren. In dem Video unten: Theatermacher gegen neoliberale Entscheidungsträger und ihren Kürzungszwang.

von Alexandra Müller

Ich verdiene nichts an diesem Artikel. Ich werde sogar freiwillig zwei Wochen lang unbezahlt in einer Journalisten-Kommune leben, ohne Warmwasser. Trotzdem freue ich mich darauf. Ähnlich geht es den meisten ebenfalls unbezahlten OrganisatorInnen, Mitwirkenden und teilnehmenden Gruppen beim Kaltstart Festival. Ja, sind wir denn völlig bescheuert? 

Um den Bogen weiter zu spannen: Wieso begeben sich junge Theaterbegeisterte freiwillig in die so genannte ?freie Szene?, die in Deutschland aus etwa 20.000 Menschen besteht, die größtenteils kaum von dem leben können, was sie mit ihrer Kunst verdienen? Woher kommen diese Leute? 

Die Gruppe ?Realitäten Revue? (?Shadow?, Di, 13.07.) etwa ist aus einem studentischen Projekt entstanden ? das haben sie mit vielen Gruppen der Kaltstart-Abteilungen gemeinsam. In den letzten anderthalb Jahren haben sie in Zusammenarbeit mit verschiedenen Tanz- und Theatergruppen drei Inszenierungen auf die Bühne gebracht. Ihre Produktion ?Shadow? war auf einigen europäischen Festivals zu sehen. Finanziert werden die Projekte aus eigenen Mitteln, aber auch aus Kulturfonds. Damit gehören ?Realitäten Revue? zu einer der wenigen freien Gruppen, die öffentliche Gelder bekommt. Das Geld zum Leben verdienen die beiden Hauptakteure allerdings mit Programmieren und Grafik-Design. In der Fringe-Abteilung von Kaltstart können sich die meisten glücklich schätzen: Sie studieren noch. 

Die meisten freien Theaterschaffenden verbindet die Suche nach neuen Strukturen, national wie international, eine hohe Flexibilität und der ständig drohende Rutsch ins soziale und/oder finanzielle Nirwana. Und doch drängen immer mehr junge Leute in die freie Szene. Die Konkurrenz wächst, aber das ohnehin knappe Publikum (10-15% der Bevölkerung) nimmt nicht zu, die staatlichen Zuschüsse sogar eher ab. Die Grundprobleme: Einkommen, Alter, Krankheit, soziale Absicherung, Ausbildung, Berufseinstieg und Familiengründung.

Die Künstlersozialkasse (KSK) reicht schon längst nicht mehr zur sozialen Grundsicherung aus, auch weil zum Überleben nötige Jobs wie Produktionsassistenzen nicht als künstlerische Tätigkeit anerkannt werden.  

Vergangenes Jahr hat der Fond der Darstellenden Künste die Lebens- und Arbeitsbedingungen der freien Theater- und Tanzschaffenden in Deutschland untersucht. Der ?Report Darstellende Künste? ist die erste Untersuchung dieser Art seit 1973. In einer Onlinebefragung wurden 4000 freischaffende Künstler aus Tanz und Theater befragt. Die Zahlen, die der ?Report Darstellende Künste? enthält, sind zum Heulen. 40 Prozent der freien Theatermenschen verdienen weniger als der Durchschnitt der Bundesbürger: Während diese pro Jahr 17.463 Euro netto verdienen, liegt das Einkommen in der freien Theaterszene bei ungefähr 9000 Euro ? und das, obwohl etwa zwei Drittel einen Hochschulabschluss haben. 32 Prozent sind dauerhaft auf Sozialleistungen angewiesen, 68 Prozent haben keine Kinder. 

Nahezu zwei Drittel realisieren über zehn verschiedene Projekte im Jahr. Das ?Ensemble la vie ? Das Leben e.V.?, das bei Kaltstart ?Der Zementgarten? (Mo, 12.07.) zeigt, produziert rund sechs Stücke pro Jahr, was aber verhindert, dass sie mit ihren Arbeiten touren. Auch mit der Förderung sieht es nicht so gut aus: WER SAGT DAS? ?Wir haben bis dato noch keine Förderungen bekommen, weder vom Bund noch vom Freistaat Sachsen oder der Stadt Dresden. Den ?Zementgarten? konnten wir nur realisieren, weil das Staatsschauspiel Dresden eine Probebühne bereit gestellt hat, die Hochschule für Bildende Kunst Dresden die sichtbare Bühne gebaut hat, die Hochschule für Musik und Theater Leipzig das Tonstudio zur Verfügung gestellt hat und die Schauspieler auf ihre Gagen verzichtet haben.? 

30-50 Prozent der freien Theatermacher müssen arbeiten, um finanziell über die Runden zu kommen, rund zwei Drittel der Wochenarbeitszeit geht für Organisation und Nebentätigkeiten drauf. Nur 33 Prozent der Wochenarbeitszeit bleiben für die eigentliche künstlerische Tätigkeit. Und die Rentenerwartung? Etwa 405 Euro haben weibliche Theaterschaffende zu erwarten, Männer etwas mehr.  

Warum also? Auch Helena Otto vom Regiekollektiv ?Otto frisst Engels?, die bei Kaltstart mit ?Pimper my City, du Nomadensau? vertreten sind, spürt die Begeisterung, die Lorey kritisiert: ?Bei mir ist das Theater omnipräsent. Weil ich es liebe und gerne Kraft und Zeit dafür aufbringe. So kann es schon mal sein, dass ich in mehrere Projekte gleichzeitig involviert bin. Ich glaube, Engagement ist mir sehr wichtig. Entweder ganz und dann mittendrin oder gar nicht.? 

Sie ist kritisch zu sehen, die Leidensbereitschaft und Selbstausbeutung ? dauerhaft leidet darunter nicht nur die künstlerische Arbeit, sondern auch der Rest des Lebens. Mittlerweile hat sich aber glücklicherweise eine kritische Grundstimmung bei den jungen TheatermacherInnen entwickelt, die vielleicht in den kommenden Jahren zu stärkeren Protesten gegen die sinkenden Löhne führen wird. Je mehr neoliberale Strömungen die Kulturschaffenden als Symbolfiguren stilisieren, die das freudige Umarmen von prekären Arbeitsverhältnissen für die Breite der Gesellschaft vorbereiten, ist ein Zusammenhalt, eine Art gewerkschaftliche Organisation unbedingt nötig. 

Für diese Bewegung kann ein Festival wie Kaltstart, so schlecht es auch bezahlen kann, eine Chance sein. Theatermacher aller Bundesländer, vereinigt euch!

Die KALTSTART HAMBURG 2010 Festivalzeitung sagt, was ging, was geht - und was überhaupt nicht. Sie sagt das, wie es sich für ein Fanzine gehört, im Copyshop-Schnipsel-Look, schwarz- weiß, aber mit Graustufen. Jeden zweiten Tag. Oder jeden dritten. Für kaum mehr als ein bisschen Ruhm ziehen neun junge KulturjournalistInnen in eine Stockbettkommune in der Schanze, lassen sich zwei Wochen lang über das Festival treiben und schauen und reden und trinken und denken und schreiben: Kritiken und Porträts, Szenen und Reportagen, Fotostories und Katerfrühstücksgespräche. Mehr kaltstart hamburg 2010 passt nicht auf din A4. Und für alle, die Holzmedien nicht mehr in die Hand nehmen mögen, gibt es das Ganze auch online ? unter www.kaltstart-hamburg.de/blog Da sind die Fotos sogar bunt! Damit hinterher keiner sagen kann, er hätte von nichts gewusst.

Ab Montag, den 12.7.2010 an dieser Stelle!

Auf dem Tanzflur

Drama als Therapiebombe